Sobre "Yo te vi caer".

Diana Szeimblum se contrae en el suelo; brazos y piernas elevados en plena imaginación de una caída libre. La imagen queda  en la sombra a contraluz de una pantalla cuya luz blanca invade la sala, y sobre la que se proyecta, después de unos minutos del despliegue errático y trastabillante de la bailarina, el título de esta obra: Yo te vi caer.

Cuatro textos numerados son leídos por el autor, Santiago Loza, atestiguando, reviviendo y forjando diversas caídas: una familia china en un río, operarios rusos en un pozo, una víctima del atentado a las torres gemelas que resulta caer con una gracia hipnótica. Belleza en el horror, libertad de la sensación: el campo semántico de esta exploración escénica dirigida por Maricel Alvarez se dispara, como las astillas de un cuerpo de vidrio, en una variedad de imágenes y nociones contrapuestas.

En medio de esta propuesta se encuentra, entre otras, la siguiente paradoja: caer se plantea  como una pérdida total de control y como libertad. ¿Es que acaso la libertad no es un producto de la acción? Pero una caída libre, la libertad de una caída, es la libertad de un cuerpo y no la de una voluntad; y mientras la segunda es libre al autodeterminarse (o al no admitir limitaciones externas), la primera es precisamente una libertad que se ha desligado de la voluntad (o el estado de futilidad de toda volición sobre el propio cuerpo). Parte de estas variaciones son expresadas en los videos  de Bas Jan Ader: Fall I, Fall II, Broken Fall (geometric) y Broken Fall (organic). En la primera filmación, el artista se registra al caer por el declive del techo de su casa desde su silla, en la segunda cae a una canal de Amsterdam con su bicicleta. Las caídas registran diferencias y variaciones: desde la altura, desde el nivel del suelo, en reposo y en movimiento en uno y otro caso. También es útil comparar este primer grupo con la serie de las Broken Falls. Geometric exhibe al artista aproximándose hacia el límite del equilibrio rodeado de árboles mecidos por el viento y cercado por un caballete. Brevemente, Ban Ader explora la geometría de su cuerpo en relación al suelo, el viento y el caballete para caer finalmente de costado como cualquiera de los objetos que lo rodea. El efecto es cómico. Organic tiene parte de la misma inocencia propia de la literalidad misma de la caída. Aquí el artista, colgado de una rama elevada unos siete u ocho metros sobre un arroyo, se deja caer. A pesar de la variedad de las distintas caídas (las diferentes posiciones iniciales, los diferentes contextos, las trayectorias disímiles del movimiento) en ningún caso se nos presenta al artista saltando. Esta exploración del límite a partir del cual un cuerpo cae tiene que estar preocupado casi centralmente por la gravedad.  En estas obras del artista holandés presentan el contrapunto principal que la idea de caída como experiencia de libertad. Toda caída física, por más libre que se experimente, es obra brutal de la inexorable fuerza gravitatoria. Lo que no es más que un cuerpo atraído hacia otro cuerpo: todos los cuerpos caen, todos los planetas giran en elipsis hacia el sol, y al final nos espera una especie de desgracia cósmica. O un final sin adjetivos.

Si se atiende al chistoso pasaje en el que la bailarina copia los movimientos que Ban Ader registró frente a cámara (un pie en el aire, siempre a punto de perder el equilibrio), se abre la posibilidad de leer toda la obra como un comentario de estas performances filmadas. ¿O es Ban Ader un comentario a Yo te vi caer? El efecto es recíproco, y la consecuencia, el retorno al punto de partida: variaciones en torno al acto de caer. Otra paradoja consiste en que “caer” se trata sin duda de un verbo, aunque no es evidente que se trate de una acción. Es más fácil admitir que es un efecto asociado a otros movimientos: saltar hacia, tirarse, mecerse. Caer es un padecimiento, y de ahí el carácter moral al que se reduce la mayoría de las metáforas asociadas.

Estas variaciones temáticas son retomadas por los elementos escénicos de Yo te vi caer con características minimalistas. Se concentran en  la ausencia del color, el uso de elementos sencillos como dos mesas, dos sillas, un cuadrado en el que se organiza la performance. Los textos se animan a un romanticismo mayor que felizmente no carece de humor ni llega a subrayar demasiado cierto solipsismo de los narradores a pesar de que se aventura en las significaciones ontológicas de la caída. Pozos, excavaciones, alturas y profundidades son las latitudes ampulosas por las que las narraciones de Szeimblum se desplazan en perfecto cruce perpendicular con la planicie escénica. Su voz recita textos breves ricos en imágenes y potentes, junto con el piano, en explayar  su resonancia dramática. A esta recitación intensa y salmodiada de Szeimblum se le contrapone la lectura con tonada cordobesa de Loza; el contrapunto es también el medio para organizar el material, que es variado a pesar de que logra un efecto despojado por la sobriedad del mobiliario. Música, recitado, proyecciones y literatura: “soy mi caída. Soy este hueco, mis cavidades, no tengo edad y quedo aquí para siempre. Salitre, óxido terroso, mica y barro. Santo silencio el de las grutas”.

Es justamente en esta tensión en el que, como si fueran los videos separadores de los textos y viceversa, Szeinblum retoma su danza de tropiezos y manos y se acerca en cada tramo hacia Loza por medio de una bella diagonal de luz. De la caída al contacto, juntos, de espalda, contemplan la irrupción del color en el baile agigantado de una niña que recién descubre el placer del movimiento y quien, aunque pudiera volver a levantarse de inmediato, completando la obra en la expectativa del público, en cada segundo está a punto de caer.